Notibar felicita a Raquel Luisa Teppich por los Premios "Faro de oro" y "Sexto Sentido" 2011. Los mismo fueron entregados el pasado día 26 del corriente en la ciudad de Mar del Plata.
Es el deseo de esta columna que nuestra amiga y colaboradora siga firme en el rumbo que se ha propuesto desde su labor literaria y radial: lograr un mundo de paz, amor y sin discriminación.
Hoy recordamos a William Blake, poeta, pintor y tipógrafo inglés, cuya pintura es definida por los académicos como pintura fantástica. Nació en Londres el 28 de noviembre de 1757 y vivió en un tiempo significativo de la Historia, caracterizado por el Iluminismo y por la Revolución Industrial en Inglaterra. Siendo escritor, Blake puede ser catalogado como romántico pues su pluma acentuó lo que muchos se negaban a ver: la pobreza, la injusticia social, la negatividad del poder de la Iglesia Anglicana y el Estado. Fue un artista que recreó un mundo extraño y fantástico y que tuvo gran peso en el arte del siglo XX ya que se lo ha considerado precursor del Surrealismo. Hay quien afirma que hacía sus obras en estado de alucinación.
Perteneció a una familia de clase media: su padre era fabricante de ropas y su madre cuidaba de la educación de sus cuatro hijos. Ya en su infancia la Biblia tuvo una profunda influencia sobre Blake, volviéndose una de sus mayores fuentes de inspiración.
Desde muy joven William afirmaba tener visiones. La primera de ellas ocurrió cuando tenía 9 años y dijo haber visto a los ángeles colocando guirnaldas brillantes en las ramas de un árbol. Más tarde, en una oportunidad en que observaba a los labriegos trabajando el heno, tuvo la visión de figuras angélicas caminando entre ellos.
A los 10 años de edad, comenzó a grabar copias de antiguos dibujos griegos comprados por su padre, además de escribir e ilustrar sus propias poesías. Debido a ello fue enviado por sus padres a trabajar como aprendiz en el taller del entonces famoso grabador James Basire. Este discipulado, que se extendió hasta sus 20 años, logró que Blake se volviera un profesional del arte. A través de sus biógrafos, se comprueba que la relación entre maestro y discípulo era tranquila y armoniosa. Entre los trabajos realizados en esa época, se destacan las imágenes de las iglesias góticas de Londres, particularmente de la Abadía de Westminster, afirmando así su estilo personal en el diseño.
Blake comenzó a escribir poesía a la edad de 12 años, y su primera obra impresa, “Esbozos poéticos” (1873), es una colección de poemas de juventud, en los que, entre una serie de elementos bastante tradicionales destacan pasajes que presagiaban lo que sería su estilo posterior. Como el resto de su producción, llegó a muy pocos lectores en su época.
En 1779 comenzó sus estudios en la Royal Academy, una respetada institución artística de Londres. Su beca estudiantil sólo contemplaba que no pagase las clases pero el material requerido en los seis años de duración del curso debería proveerlo el alumno. Este período de su vida se caracterizó por el desarrollo del carácter y las ideas artísticas de Blake, que a veces chocaban contra las de sus profesores y colegas, especialmente con el director, Joshua Reynols, ya que las doctrinas de Reynols sobre la búsqueda de la verdad y la belleza no terminaban de encajar del todo con los ideales de Blake. El joven estudiante siempre vería en lo clásico un modelo a imitar, Rafael y Miguel Ángel serian punto de discusión entre ambos.
En 1782, después de un noviazgo que terminó con un terminante rechazo a su propuesta de casamiento, Blake se casó con Catherine Boucher, a quien le enseñó a leer y escribir, además de las tareas de tipografía. Catherine le retribyó, ayudándolo devotamente en sus trabajos, durante toda la vida. Fue un matrimonio sin hijos, pero feliz.
William Blake escribió e ilustró más de veinte libros, incluyendo “El Libro de Job” de la Biblia, “La Divina Comedia” de Dante Alighieri –trabajo que quedó inconcluso debido a su muerte- y muchos títulos de grandes artistas británicos de su tiempo. Muchas de sus obras fueron marcadas por sus fuertes ideas de libertad, principalmente en los poemas del libro “Songs of Innocence and of Experience” donde condenaba a la Iglesia y a la alta sociedad como explotadores de los débiles. En el primer volumen de esa obra, “Songs of Innocence”, aparecen trazos de misticismo. Cinco años después retoma el tema en el segundo volumen: “Songs of Experience”, estableciendo una relación dialéctica con el libro anterior, donde acentúa la malignidad de la sociedad. Inicialmente publicados en forma separada, los dos libros se unieron luego, revelando así los dos estados opuestos del alma humana.
El poeta siempre rechazó al autoritarismo, en otros textos publicados en 1788: “No hay religión natural” y “Todas las religiones son una”. En 1790 publicó su prosa más conocida, “The marriage of Heaven and Hell”, donde formula una posición religiosa y política, revolucionaria para la época: “la negación de la realidad de la materia, de la condena eterna y de la autoridad”. Entabló amistad con muchas feministas de su época, ya que compartía con ellas, su visión de la igualdad de sexos y el respeto hacia la mujer. Mary Shelley (autora de “Frankenstein”) llegó a ser una de sus más queridas amigas. En su obra “Visions of the Daugthers of Albion” (1793) Blake condenará el matrimonio sin amor y la crueldad de la castidad.
A pesar de su talento, el trabajo de grabador era poco requerido en su tiempo y los libros de Blake eran considerados extraños por la mayoría. Debido a esto, Blake nunca alcanzó una significativa fama y vivió prácticamente en la pobreza.
Muy a menudo William Blake es tildado de “místico” por una amplia corriente de académicos de la poesía, pero esto no es así. Si bien escribió deliberadamente en el estilo de los profetas hebreos y de los escritores apocalípticos, presentía que sus trabajos expresaban profecías y, para ello, seguía los pasos del poeta Milton. En realidad, creía claramente que su ser había incorporado al espíritu del autor de “El Paraíso perdido”.
A los 67 años, comenzó los diseños para el “Infierno” de la Divina Comedia, y se concentró tanto en esa tarea, que aprendió el italiano para profundizar mejor en el universo del Dante. Hasta el día de su muerte, el 12 de agosto de 1827, trabajó exhaustivamente en esta obra, a pesar de la pésima condición física que lo llevaría a su fin. Su funeral, bastante humilde, fue pagado como parte del trabajo por quien le encargara el libro de Dante. Y a pesar de su precaria situación financiera, Blake murió sin deudas.
Hoy en día, William Blake es reconocido como un Santo por la Iglesia Gnóstica Católica, y el premio Blake Prize for Religious Art se entrega anualmente en Autralia, en su homenaje.
Hoy recordamos el 124º aniversario del nacimiento de quien fuera uno de los grandes íconos del cine de terror de todos los tiempos: Boris Karloff. A partir de su protagónico en “Frankenstein” (1931), de James Whale, su nombre y su rostro quedaron plasmados en el imaginario popular como uno de los monstruos más queridos, más admirados y más inolvidables de todos los públicos.
Karloff nació en Inglaterra, en el suburbio londinense de Camberwell, el 23 de noviembre de 1887 y fue bautizado como William Henry Pratt. Su familia estaba compuesta por siete hermanos y una hermana, y sus padres fallecieron cuando aún era niño. Ya jovencito, asistió a clases en varias escuelas de arte escénico. Aunque la primera meta de Karloff era unirse al servicio diplomático (su hermano Sir John Henry Pratt, llegó a convertirse en un famoso y distinguido diplomático), en 1909, viajó a Canadá, intentando probar suerte como actor en ese país. En ese tiempo creó su nombre artístico el cual, según él, el apellido Karloff venía de sus ancestros rusos por parte de su madre y el nombre Boris fue elegido al azar. Por razones de salud, no combatió en la Primera Guerra Mundial.
Trabajó en teatro y radio hasta que finalmente, en 1919, cuando contaba con 32 años de edad, actuó en su primera película, "His Majesty, the American", muda, dirigida por Joseph Henabery, donde Karloff aparece sólo como un extra más en una historia de aventuras y su nombre no figura en los títulos. A partir de allí y hasta su gran éxito, apareció en otros 48 filmes mudos y en 15 sonoros.
Tuvo que esperar hasta 1931 para ser mundialmente conocido al personificar a la criatura de “Frankenstein, película que ha sido considerada por infinidad de críticos como uno de los mayores y más importantes clásicos de terror. La adaptación que James Whale hiciera de la novela de Mary Shelley y la estupenda actuación de Boris Karloff, han hecho de esta película una obra de arte inolvidable.
“Frankenstein” inicialmente sería dirigida por Robert Florey y protagonizada por Bela Lugosi (quien recientemente había actuado en “Drácula”) pero ambos nombres fueron cambiados a último momento. Lugosi rechazó el papel debido a que no poseía diálogos y a que estaría cubierto de maquillaje. Entonces llamaron a Karloff para el personaje del monstruo (Florey y Lugosi terminaron luego haciendo “Los crímenes de la Rue Morgue”, basado en el relato de Edgar Allan Poe).
Contando con la ayuda del importante maquillador de la Universal, Jack Pierce, la criatura de Frankenstein resultó aterrorizante y fascinó al público. Son conocidas las largas sesiones de maquillaje con vendajes, barniz y algodón a las que tuvo que someterse y el incómodo traje y los zapatos de plataforma que le causaron daños en la espalda por el resto de su vida. Fue un gran éxito de boletería, recaudando cerca de 12 millones de dólares, superando en mucho a la modesta producción de 250 mil. El actor no aparece en los créditos iniciales de la película, siendo su lugar ocupado por un signo de interrogación; solo en los créditos finales se aclara que es Karloff, a secas, quien interpreta al monstruo. Bette Davis fue considerada para interpretar a Elizabeth, pero finalmente Mae Clarke obtuvo el papel. En la película participaron también Dwight Frye, como Fritz, y Edward Van Sloan como el Dr. Waldman; ambos habían actuado con anterioridad en “Drácula”.
Y fue a partir de este trabajo que Karloff ganó la celebridad y se apoyó de ahí en más en personajes misteriosos y aterrorizantes que lo acompañaron hasta la muerte.
En los años siguientes fue muy requerido, principalmente por la Universal, y protagonizó otros clásicos como "El caserón de las sombras " (1932), donde interpretó a un mayordomo mudo y asesino que vivía en un caserón gótico, “La momia” (1933), personificando a una momia egipcia que volvía a la vida después de 3700 años, y en el mismo año actuó en "El vampiro", su primer trabajo para Inglaterra, interpretando a un profesor que muere y retorna a la vida como un zombi. En 1935 Karloff volvió a su papel del monstruo en “La novia de Frankenstein”, otro éxito que superó al original, cerrando la trilogía en 1939, con “El hijo de Frankenstein”. Nunca más habría de interpretar al personaje que lo catapultó al estrellato.
Entre el final de la década del 30 y comienzos de los ’40, realizó varias películas de la Columbia, interpretando a científicos locos en medio de sus macabras experiencias, como en "El poder invisible " (1936), donde Karloff descubre un rayo poderoso que lo transforma en un asesino, “El hombre que trocó su mente”(1936) protagonizando a un científico que busca el origen del alma y de la mente, "La hora fatídica” (1940), donde encarna a un detective chino, "The Man With Nine Lives" (1940), abordando el tema de la cura del cáncer por congelamiento, "Before I Hang" (1940), con el tema del rejuvenecimiento, "The Devil Commands" (1940), sobre la investigación de las ondas cerebrales en personas muertas, y "The Boogie Man Will Get You" (1942), donde el actor crea una máquina que fabrica superhombres. En "La casa de Frankenstein" (1944), interpretó a un sabio demente que huye de la prisión y resucita a Drácula (John Carradine), al Hombre Lobo (Lon Chaney Jr.) y a la criatura de Frankenstein (Glenn Strange). Y ya en plena década del 40 Karloff realizó una serie de filmes para la RKO asociado con el productor Val Lewton. El resultado fue una serie de pequeñas obras maestras del horror junto a Bela Lugosi, como “El ladrón de cadáveres”, (1945), "La isla de la muerte" (1945) y "Bedlam" (1946).
Los años ’50 fueron de escaso éxito para el actor, sin ninguna obra importante. Sólo hizo algunos trabajos de humor negro con los cómicos Abbott y Costello.
Luego vino su etapa con Roger Corman y la productora American International. Ambos se asociaron, en la década del 60, y rodaron juntos varias películas al lado de grandes actores como Basil Rathbone, Vincent Price, Peter Lorre y Jack Nicholson. A esta época pertenecen joyas del humor negro, como “El cuervo” (1963), "La comedia de los horrores” y también “El terror” interpretando aquí, junto a Nicholson, a un viejo barón recluido en una macabra mansión.
En 1964 fue el presentador de la película italiana "Las tres caras del miedo", dirigida por Mario Bava, que está dividida en tres episodios donde también interpretó, en uno de ellos, a un vampiro. En 1965 filmó “Muere, monstruo, muere” basada en una historia de H. P. Lovecraft. Y en 1968 protagonizó su última película: “Míralos morir”, personificando a un actor de películas de terror, dirigido por Peter Bogdanovich.
A partir de ahí, anciano ya, su estado de salud empeoró, con graves problemas respiratorios que lo llevarían a la muerte en 1969. Después de su fallecimiento, fueron estrenadas dos películas que había rodado en 1967-68: "La maldición del altar rojo”, con Christopher Lee, una historia basada en un relato de H. P. Lovecraft, y "El coleccionista de cadáveres", ambas con Karloff en silla de ruedas debido a su precario estado de salud. En 1971 fueron estrenados cuatro películas de producción mexicana, en las cuales Karloff había filmado su participación en Estados Unidos, escenas que luego fueron montadas en México. De esa serie, películas que se volvieron rarezas y de culto, se destaca "Serenata macabra” donde interpreta a un anciano millonario que convoca a sus familiares para darles a conocer su testamento.
Boris Karloff actuó en el cine a lo largo de medio siglo y trabajó con algunos de los más importantes nombres del cine norteamericano de su época, como Mervyn LeRoy, Michael Curtiz, Raoul Walsh, James Whale, Howard Hawks o John Ford, y también formando binomios con sus colegas contemporáneos, como Bela Lugosi o Lon Chaney Jr. Si bien Karloff quedo estigmatizado con su personaje en “Frankenstein”, la fuerza que su nombre adquirió fue tan grande que decir Boris Karloff era decir terror. Por eso fueron muchos los que se aprovecharon del valor comercial de tal asociación, y sería importante saber que, por detrás de aquella horrorosa criatura, podía encontrarse a un hombre alto y pacífico, de enorme sensibilidad, elemento que permitió la grandeza de su interpretación en la más perfecta versión que hubo de la obra de Mary Shelley. Además fue conocido en su vida real como un caballero generoso, sobre todo con la infancia.
Boris Karloff siempre hizo comentarios cariñosos sobre el personaje: “Fue mi mejor amigo”, llegó a decir. Pero no siempre le gustó que asociaran su nombre a los clásicos del terror.
Cierta vez le preguntaron si le importaba ser identificado siempre como el protagonista de “Frnakenstein”. Respondió: “Siempre estoy escuchando quejas de los actores por estar identificados con la imagen de sus personajes. Si el actor es joven, le dicen juvenil y pasa a secundario. Y si es lindo, queda como protagonista. Yo tuve suerte. Mientras los fabricantes gastan millones en establecer una patente, a mí me ofrecieron un modelo registrado, sin contrapartidas. Cuando un actor está en condiciones de elegir sus propios papeles es probable que le vaya mal porque nunca sabrá cuál es su especialidad o lo que sabe hacer mejor. Estoy seguro que yo sería muy bueno personificando “El pequeño Lord Fauntleroy” pero ¿quién pagaría para verme?”
Karloff actuó en 200 películas (mudas, sonoras y televisivas) en radio, teatro, y participó en muchos shows para la televisión. Falleció en Londres, a los 82 años, el 2 de febrero de 1969.
El experimentado y premiado músico, autor de varios tangos emblemáticos de la generación de los ´90, (como ¨Pompeya no olvida¨ y ¨Ser mina flor de cardo¨, e/otros) da a luz ahora, a su primer CD de "Nuevo Tango Instrumental". Frente de su sexteto presentará un repertorio, integrado por tangos, milongas y candombes de su autoría y de otros compositores contemporáneos, en el que plasma un sonido intenso y poco melancólico, que da cuenta de la estética tanguera de estos días. Un tango que se produce en los márgenes de la ciudad, ¨alejado de las luces del centro¨, pero que sin embargo testimonia el lugar y el tiempo, en el que le toca existir.
JAVIER GONZALEZ: composición; arreglos; dirección; guitarras.
LUIS VÁZQUEZ: bandoneón
MARIANO SILVA: piano
ALEJANDRO WARD: bajo eléctrico
MARIELA FOCAS: flauta traversa
HÉCTOR CORREA: batería y percusión
Entonces, nada mejor que La dama de Shangai para definir qué es cine de autor. O sea, estamos ante alguien que deja marcas, huellas notables, que toma una simple historia policial que en manos de otro sería una peli más y van...tantas, pero tantas, y hace algo diferente, distinto, inmortal, para todas las épocas y todas las latitudes. Emerge entonces la figura del genio... de eso que hablábamos inicialmente: el cineasta de culto que reverencian todos.
Los primeros planos, los rostros sudorosos, los diálogos profundos, las situaciones caóticas, casi oníricas, casi surrealistas, de algunos pasajes y todo eso en una historia de cine negro, bien negro, film noir por excelencia, pero al que se le da un toque distinto, sustancial, de un director que deja su personalidad. Eso, señoras y señores, es cine de autor. Cuando sin saber quien filma, por algunas escenas, tomas, o secuencias, podemos decir, establecer sin temor a equivocarnos, esto es de Orson... como cuando vemos un cuadro de Renoir, o Van Gogh y no necesitamos ver la firma.
Las escenas finales de las películas, copiadas, homenajeadas hasta el hartazgo, resultan inolvidables. Esa secuencia de espejos múltiples que significan también maldad múltiple es algo sencillamente excepcional. Nadie puede dejar de quedar seducido por el film. Con dos puntales soberbios: Welles en su doble función de director e intérprete, y Rita, más actriz que nunca, desmitificada de su aureola de mujer fatal pero buena, aquí es fatal y no tan buena, como suele ocurrir con las mujeres del cine negro. Además no es la clásica pelirroja admirada. Está fría, distante, maquiavélica, y además rubia y con el cabello corto. Es una Rita distinta que juega como contrapartida del irlandés corpulento que interpreta Orson.
Rita y Orson... fundamentales Pero no son los únicos; los trabajos de Everett Sloane y Glenn Anders también alcanzan niveles superlativos. Qué cuarteto, por Dios...
Qué cine.
No voy a olvidar nunca algunas secuencias, como ser la canción sensual que entona Elsa en el yate. O el diálogo monólogo de Michael sobre la destrucción de los tiburones, impresionante metáfora que anticipa las posteriores derivaciones del argumento. O toda la secuencia del final en el parque de diversiones, en la casa de los locos, o en el mundo de los espejos, y la escena de Elsa implorando y la cámara a ras del suelo en plano medio, mientras Michael se va, se aleja, se retira, queriendo huir de toda la pesadilla, pero sabiendo al mismo tiempo que va a estar condenado al recuerdo.
Si alguno no vio esta película, persona a la que envidio, no deje de verla. Las citas con Welles son sencillamente impostergables, es el encuentro con el cine grande, el cine más grande, aquel que puede realizar muy poca gente... Aquí, transforma una novelita común que se vendía en quioscos de diarios, sin demasiadas expectativas, en un film inmenso...
En los años 1880 la Ciudad de Buenos Aires era, prácticamente, una gran Aldea ubicada sobre el puerto.
La gente buscaba diversión en los circos, donde los payadores criollos improvisaban con música de milonga criolla sus payadas. De más esta decir que el disco no se había inventado, ni la radio y menos aún la televisión, el único modo de escuchar música era en vivo, en presencia de los músicos, quines además tocaban de oído, no sabían leer música. Estos fueron nuestros primeros pasos hacia el Tango.
La mayoría de los habitantes que se distribuyeron en la zona del Río de la Plata eran inmigrantes que llegaban a estas tierras en busca de un futuro mejor, y dejaban en sus países a sus familias constituidas o a sus novias; fue éste el motivo por el que se originaron tantos burdeles, y se trajo para ese trabajo a mujeres francesas, italianas, españolas, polacas y alemanas. En realidad como la demanda era superior a la oferta los dueños de los burdeles, para que el cliente no se aburriera mientras esperaba satisfacer sus necesidades, contrataban grupos de músicos -en esa época los grupos eran formados por tríos: guitarra, violín y flauta, estos amenizaban la espera, y ejecutaban la música conocida del momento: polcas, habaneras, valses, chotís.
En una oportunidad, de la fila salieron dos clientes envueltos por la sensualidad de esa música y trataron de seguir el ritmo, fue tanto el éxito que los músicos tuvieron que repetir el tema, ignorando que había nacido el Tango.
Comencemos por establecer que el tango es la música característica de los porteños, de los que habitaban la ciudad de Buenos Aires.
Hay quienes vinculan el término tango al negro y, más precisamente al africano. Alguno pretendió compararlo incluso con el jazz. Si bien nacieron prácticamente en la misma época, este último es de origen netamente africano; los lamentos de los esclavos, los cantos religiosos, los blues fueron sus comienzos; el tango en cambio, nada tuvo de estos orígenes.
He aquí el primer tango "oficial" podríamos llamarlo, la letra es de Alfredo Gobbi (padre) y la música de Angel Villoldo, y fue escrito en el año 1903.-
EL PORTEÑITO
Soy hijo de Buenos Aires,
por apodo "El porteñito",
el criollo más compadrito
que en esta tierra nació.
Cuando un tango en la vigüela
rasguea algún compañero
no hay nadie en el mundo entero
que baile mejor que yo.
No hay nunguno que me iguale
para enamorar mujeres,
puro hablar de pareceres,
puro pico y nada más.
Y al hacerle la encarada
la filo de cuerpo entero.
asegurando el puchero
con el vento que dará.
Soy terror de los franelas
cuando en un baile me meto,
porque a ninguno respeto
de los que hay en la reunión.
Y si alguno se retoba
queriendo meterse a guapo
yo le encajo un castañazo
y a buscar quien lo engendró.
Cuando el vento ya escasea
le formo un cuento a mi china
que es la paica más ladina
que pisó el barrio del sur.
Y como caído del cielo
entra el níquel al bolsillo
y al compás de un organillo
bailo el tango a su salú.
No sólo están los que afirman que el tango procede de la habanera, otros establecen un parentesco con el tanguillo andaluz. El maestro Horacio Ferrer afirma que el tango es hermano y no hijo de las otras. Entre los primeros tangos podemos mencionar: “Dame la lata”, “El tero” y “Andáte a la Recoleta”.
A partir de esta época los peringundines, academias, salas de baile y otros locales de diversión comienzan a sucumbir a los encantos de esta danza original, que se va extendiendo inexorablemente, es entonces cuando tuvo lugar el comienzo de la enorme producción de tangos.
Se cumplió ayer el 51º aniversario del fallecimiento de Clark Gable Pasión imposible de innumerables mujeres de todo el mundo, ganador de un Oscar en 1934 y el gran actor de “Lo que el viento se llevó” fue uno de los más famosos actores de la historia del cine. En pleno auge de su carrera fue llamado “el Rey de Hollywood” y en 1999 el prestigioso Instituto Americano del Cine lo consideró la séptima estrella masculina más grande de todos los tiempos.
William Clark Gable nació en Cadiz, Ohio, Estados Unidos, el 1º de febrero de 1901. Era hijo del perforador de pozos petrolíferos William Henry Gable, y de Adeline Hepshelman, descendiente de alemanes e irlandeses. Pero el apellido paterno de Clark no era Gable sino Goebel y fue cambiado por Gable. Aprovechando esto, la MGM inventó la idea de que Gable era descendiente de holandeses e irlandeses y no de alemanes, debido al auge del nazismo en la época exitosa del actor, y además porque podía sugerir algún parentesco con el jerarca nazi Joseph Goebbels. Clark era el apellido de soltera de su abuela.
A los pocos meses de nacer, Clark perdió a su madre, debido a la fragilidad física de la mujer y porque las condiciones del parto la debilitaron en extremo, pero también a las complicaciones que surgieron con su epilepsia muy avanzada. Es probable, entonces, que haya fallecido a causa de un tumor cerebral. Pero antes de morir, la madre lo bautizó en la religión católica aunque después de su muerte, el ala paterna de su familia no aceptó tal bautismo, creándole problemas a la familia materna, problemas que sólo fueron resueltos cuando el padre de Clark lo mandó a vivir con su tío materno, Charles Hershelman, en Vernon, Pensilvania. Hasta los dos años Clark estuvo bajo el cuidado de sus tíos materno, hasta que su padre lo llevó nuevamente a vivir a Hopedale, Ohio. El padre se casó nuevamente, en abril de 1903, con una mujer culta y gentil, Jannie Dunlap, quien crió a Clark como a un hijo propio.
Gable cursó sus estudios elementales en la Hopedale Grade School, y después en la Edinburg High School. A los 14 años ya medía 1,83 m, pesaba 68 kg y formaba parte de un club deportivo, además de tocar la trompeta en la escuela. Uno de sus amigos, Andy Means, comenzó a trabajar en una fábrica neumáticos, la B. F. Goodrich, en Akron, y Gable decidió acompañarlo, abandonando sus estudios a los 16 años.
Ya en Akron, asistió a una función teatral donde se representaba la obra "The Bird of Paradise", y fue allí que su vocación de actor se hizo presente, y consiguió inmediatamente un pequeño papel en esa compañía, personificando a un mandadero.
Al año siguiente falleció su madrastra y Clark, acompañado del padre y muy a disgusto, marchó hacia los campos petroleros de Tulsa. Trabajó entonces como empleado en la explotación del petróleo y simultáneamente como domador de caballos, aunque no dejó de lado su idea de volver a actuar. A los 21 años, habiendo heredado 300 dólares de su abuelo, abandonó los negocios del padre y se marchó a Kansas City. Esto bastó para que su padre rompiera relaciones con su hijo y no volvieran a hablarse durante diez años.
En su nueva residencia, Clark formó parte de una compañía de teatro ambulante, la Jewell Players, la que terminó disolviéndose dos meses después. Entonces, queriendo cambiar de suerte, partió hacia Oregon, y en el trayecto llegó a ser vendedor de corbatas en la tienda Meier & Frank. Allí, uno de sus compañeros, Earle Larrimore, estaba por unirse a un grupo teatral que partía para Astoria y Gable los acompañó. Una de las integrantes del grupo, la actriz Franz Dorfler, se enamoró de Clark, comenzaron un noviazgo pero no llegaron a casarse. Posteriormente, Dorfler escribiría un artículo llamado “Yo fui la novia de Billy Gable” publicado en el libro “The Films of Clark Gable", de Gabe Essoe.
En Portland (Oregon), Gable trabajó en un diario y en la compañía telefónica, y al mismo tiempo tomaba lecciones de canto. Integróse a otro grupo de teatro, dirigido por la actriz ya retirada Josephine Dillon, catorce años mayor que Clark, y que sería de mucha influencia para la carrera de quien sería el gran actor. Josephine le enseñó expresión corporal, actuación, declamación y pagó el arreglo de su dentadura y su nuevo estilo de cabello, preparándolo así para la carrera cinematográfica.
En 1924, cuando Josephine se marchó a Hollywood, Gable la siguió y el 13 de diciembre de aquel año se casaron. Y fue ella quien cambió el nombre de W.C. Gable, por el de Clark Gable. Bajo la protección de su esposa, el actor consiguió participar como extra en algunas películas, como la comedia “Forbidden Paradise" protagonizada por Pola Negri, y una serie de episodios titulada “The Pacemakers”.
Entre 1927 y 1928 Gable actuó con la Laskin Brothers Stock Company, en Houston (Texas), donde hizo diversos papeles, ganando considerable experiencia y convirtiéndose en un ídolo local. Fue así que decidió viajar a Nueva York y consiguió trabajo en Broadway. El diario Morning Telegraph lo consideró “joven, vigoroso y brutalmente masculino”.
En 1930 se divorció de Josephine Dillon y, en viaje a Houston, conoció a una mujer muy adinerada de Texas, 17 años mayor que él, Rhea Franklin Prentiss, quien se tornó su compañera insoslayable y le enseñó a vestir como un neoyorkino. A los pocos días de conocerse se casaron y luego volvieron a hacerlo en California.
En ese mismo año, después de una impresionante actuación personificando a Killer Mears en la obra “The Last Mile”, producida por su esposa, Clark consiguió excelentes críticas, lo que le valió numerosas invitaciones para hacer pruebas en el cine. En una de ellas, Darryl F. Zanuck lo probó para el papel de "Little Caesar" y lo rechazó alegando: “No sirve para el cine. Las orejas son grandes y se parece a un mono”.
La representante Minna Wallis, hermana de Hal Wallis, habiendo visto la prueba, quedó impresionada con la actuación de Clark e inmediatamente lo llevó a la Pathé, donde su primer papel en un film sonoro fue un pistolero, en el western “Desierto pintado” de William Boyd, en 1931. En ese tiempo, comenzó a recibir muchas cartas de fans, enamoradas de su voz y su actuación.
La MGM se interesó en él y resolvió confiarle un papel en “La pecadora”, junto a Constance Bennett, Robert Montgomery y Anita Page. No obstante, su nombre era el último del elenco pero su éxito le valió que la MGM lo contratara para los dos años venideros.
Después de representar a algunos villanos en muchas películas, tales como “Danzad, locos, danzad”, “Los seis misteriosos”, “The Finger Points” y “Laughing Sinners”, Gable alcanzó la fama como el marginal de "Un alma libre", en 1931, junto a Norma Shearer, donde su personaje secundario pasó a ser el protagonista, aun cuando el marido de la Shearer, Irving Thalberg, intentó modificar el argumento tratando de distanciarlo de su esposa.
Louis B. Mayer y el director de publicidad Howard Strickling, quien se tornaría uno de los grandes amigos de Clark Gable, tuvieron la idea de lanzar un nuevo tipo de galán, más cínico y menos romántico, con fuerza y sex-appeal agresivo, características muy compatibles con el período de violencia y agitación que se vivía durante la Gran Depresión. Y ese armado del nuevo ídolo, no sólo le abrió la puerta del estrellato a Gable sino también a James Cagney, Humphrey Bogart, Spencer Tracy y George Raft.
En 1933, debido a su rebeldía y a las tentativas que hacía para elegir los papeles que le gustaba representar, Gable fue cedido, como “castigo” a la entonces incipiente Columbia, para el rol del periodista Peter Wayne, en la premiada película “Lo que sucedió aquella noche”, de Frank Capra, con el cual ganó un Oscar como mejor actor. Se cuenta que, debido a esta película, Gable influenció sobre la moda masculina de la época, cuando en una escena, al quitarse la camisa, lució su torso desnudo sin camiseta, contrariando la costumbre entonces vigente entre los hombres. Los vendedores de ropas masculinas de todo el país confirmaron que, a partir de entonces, hubo una importante caída en las ventas de camisetas.
Gable, transformado por Capra en un gran comediante, comenzó a apartarse del estereotipo de galán machista que había utilizado hasta entonces, convirtiéndose en el galán romántico de “Encadenada”, “Cuando el diablo asoma” y “El escándalo del día”; en el médico de “Men in White”, en el rufián de “El enemigo público Nº 1”; en el aventurero de “Mares de China” y “La llamada de la selva”, y en el inolvidable Fletcher Christian de “Motín a bordo”, que le valió una nueva nominación para el Oscar. Actuando en “La llamada de la selva”, de William Wellman, Gable tuvo un romance extraconyugal con Loretta Young, unión de la cual nació una niña, Judy Lewis (en ese tiempo, Loretta decía que había adoptado a la niña al poco tiempo de nacer).
Cedido temporariamente a la Paramount en 1932, para filmar “No Man of Her Own”, fue el coprotagonista de Carole Lombard, quien en ese tiempo estaba casada con William Powell, y se volvió su admirador. Carole, posteriormente, se divorció, y el interés de Gable por ella, aumentó. Se divorció de Rhea en 1939 y un mes después se casó con Carole en Kingman, Arizona. Había comenzado la Segunda Guerra Mundial, y Gable fue nombrado, por el Presidente Roosevelt, Presidente del Comité de Hollywood para la Victoria, y Carole fue incluida en el primer viaje con la finalidad de vender Bonos de Guerra.
A pesar de que rechazaba el personaje de Rhett Butler en “Lo que el viento se llevó”, en 1939, Gable fue aún más conocido por ese papel, por el cual fue nominado nuevamente al Oscar. Carole Lombard pude haber sido la primera en sugerirle que lo aceptase ya que ella pensaba personificar a Scarlett
En realidad, Gable fue elegido para el papel de Buttler no sólo por la opinión del público, que lo seleccionó por votación en un concurso de la Revista Photoplay sino también por el productor David O. Selznick, quien primero había negociado con Errol Flynn, a lo cual la Warner Brothers se negó pues no quería ceder a Flynn sin Bette Davis.
La negociación de Gable se hacía difícil porque estaba contratado por la MGM, perteneciente al suegro de Selznick, Louis B. Mayer, con quien Selznick tenía problemas por haberse ido de la MGM y afiliado a la United Artists, formando la Selznick International. La Metro terminó aceptando ceder a Gable a cambio de la distribución mundial de la película. Se cuenta que para obtener a Gable como protagonista, Selznick le pagó a la MGM cerca de 40 millones de dólares. “Lo que el viento se llevó” fue el mayor éxito cinematográfico de la carrera de Clark Gable y su momento cumbre como actor.
El estreno de esta joya de todos los tiempos se llevó a cabo en Atlanta pero debido al extremo racismo que había en esa ciudad, se determinó que la actriz Hattie McDaniel (la primera mujer negra en ganar un Oscar y de gran presencia en el fillme) no podría asistir. Bastó esto para que Clark se solidarizara con Hattie, renunciando a estar presente en la gala y ganó así una amiga para toda la vida.
En enero de 1942 el avión en que Carol Lombard y su madre viajaban se precipitó a tierra, cerca de Las Vegas, muriendo ambas en el accidente. Fue la gran pérdida afectiva en la vida nuestro actor.
Un mes después de la tragedia, Gable actuó en “Yo la encontraré”, junto a Lana Turner. El actor había quedado devastado por la muerte de Lombard y vivió el resto de su vida, aun habiéndose casado otra veces, en la casa en que vivió con Lombard, en Encino, California. Volvió a casarse “pero nunca fue lo mismo”, le comentó cierta vez a Esther Williams.
Luego sirvió como voluntario en Europa durante la Guerra. Adolf Hitler le tenía gran admiración y al saber de su presencia en el frente, ofreció una fuerte recompensa para su captura, que nunca se llevó a cabo.
Después de volver de la Segunda Guerra mundial, recibió la Cruz de la Distinción en Vuelo, y la Medalla de la Fuerza Aérea, por "hazañas excepcionalmente meritorias en cinco diferentes misiones de combate en bombarderos". En 1944, fue ascendido a mayor y regresó a los sets, donde continuó actuando para la MGM. Retornó al cine, entonces, con "Adventure", en 1945, junto a Greer Garson, que no tuvo mucho éxito, iniciándose así el período crepuscular de su carrera. Sus últimas películas para la compañía fueron “Mogambo” y “La traición”.
Después de su tercer divorcio, tuvo un breve romance con la actriz Joan Crawford quien luego, en un reportaje, admiró sus dotes masculinas. Luego vendría una situación similar con Paulette Goddard, y en 1949, se casó con Silvia Ashley, viuda de Douglas Fairbanks y Baronesa de Alderly. El matrimonio duró sólo tres años.
En 1955, fue contratado por la 20th Century-Fox, actuando en “Cita en Hong-Kong" y "Garras de Ambición". Posteriormente, probó producir sus propias películas pero no tuvo éxito y desistió, firmando contrato con la Warner Bros primero, y después con la Paramount. Ese mismo año se casó con su antiguo amor, Kathleen Williams Spreckles, 15 años menor, quien tenía dos hijos, Joan y Adolph Spreckels III. Kathleen fue la última esposa de Clark, con quien vivió hasta el fin de su vida.
En 1960, su esposa descubrió que estaba esperando un hijo pero Gable no vivió para verlo nacer. Estaba filmando su última película: “Los inadaptados”, con argumento de Arthur Miller, dirigida por John Huston, y coprotagonizada por Marilyn Monroe, Eli Wallach y Montgomery Clift (ésta fue también la última película de Marilyn). Gracias a una vida regada con whisky y tres paquetes diarios de cigarrillos, la salud de Clark estaba muy deteriorada. Durante la filmación, rechazó el uso de dobles en las escenas en que montaba a caballo, sufría grandes tensiones nerviosas entre una escena y otra y eso significó una exigencia enorme para su corazón debilitado. Dos días después de finalizar el rodaje, Gable sufrió una trombosis coronaria.
Tras una aparente recuperación, la repetición del ataque cardíaco, diez días más tarde, provocó su fallecimiento el 16 de noviembre de 1960 en Los Ángeles, a la edad de 59 años. A lo largo de una carrera de 30 años, Clark Gable actuó en 67 películas, sin contar las que trabajó como extra en la época del cine mudo. Con una hija que nunca reconoció públicamente, una esposa con un destino trágico y un hijo que la muerte no le permitió ver, el Rey de Hollywood partió hacia la eternidad. Sus restos descansan junto a su esposa Carole Lombard en el cementerio de Glendale, en Los Ángeles.
Clark Gable y Carole Lombard en sus mejores tiempos
Vuelve la polémica a las campañas publicitarias. Los besos son los protagonistas del nuevo anuncio de Benetton, pero el quid de la cuestión recae en quién los da. Los líderes políticos y religiosos del mundo desatan su pasión y unen sus labios para "combatir la cultura del odio".
Barack Obama y el líder chino Hu Jintao o Nicolás Sarkozy y Angela Merkel se dejan llevar por sus instintos más básicos y se comen a besos para la nueva campaña publicitaria de Benetton, que mediante montajes fotográficos recrea apasionados e imposibles besos.
Otros montajes de la campaña, llamada Unhate (algo así como Des-odia) son los del primer ministro israelí Benjamin Netanyahu besándose con el presidente de la Autoridad Nacional Palestina Mahmud Abbas o Kim Jong-il con Lee Myung-bak, dirigentes de Corea del Norte y Corea del Sur. Obama es el único político que repite beso, ya que también sale labio con labio con el presidente de Venezuela, Hugo Chávez.
La campaña incluía la imagen del papa Benedicto XVI sumido en un beso con el imán de la mezquita Al-Azhar de El Cairo, Ahmed Mohamed el-Tayeb.
Pero el Vaticano se quejó de inmediato y anunció que estudiaba emprender medidas ante las "autoridades competentes". "Se trata de una grave falta de respeto hacia el papa, de una ofensa a los sentimientos de los fieles, de una demostración evidente de cómo en el ámbito de la publicidad se pueden violar las reglas elementales del respeto a las personas para atraer la atención mediante la provocación", dijo el portavoz de la Santa Sede, Federico Lombardi.
Ante ello, el grupo textil italiano ha anunciado que retirará de modo "inmediato" el fotomontaje del papa. A través de un comunicado, la firma de moda ha lamentado que el uso de la imagen del pontífice haya herido la sensibilidad de la Santa Sede y de los fieles católicos.
"Insistimos en que el sentido de esta campaña es, exclusivamente, combatir la cultura del odio en cualquier forma", reza el comunicado.
Hoy se celebra el día de San Alberto Magno. Yo ignoraba que tuviera un santo pero efectivamente, San Alberto existió. Por eso investigué un poco, y como siempre, la Wikipedia me dio todos los datos de éste mi santo. Veamos:
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San Alberto Magno nacio en Lauingen, Baviera, entre 1193 y 1206 y falleció en Colonia, el 15 de noviembre de 1280. Fue un destacado teólogo, geógrafo, filósofo y figura representativa de la ciencia medieval. Su humildad y pobreza fueron notables.
Estudió en Padua, donde tomó el hábito de Santo Domingo de Guzmán y profundizó en el conocimiento de la filosofía aristotélica, y en París, doctorándose en 1245. Enseñó en algunas de las pocas Universidades que existían en ese momento en Europa, también desempeñó su trabajo en distintos conventos a lo largo de Alemania.
En la universidad de París tradujo, comentó y clasificó textos antiguos, especialmente de Aristóteles. Añadió a estos sus propios comentarios y experimentos, aunque Alberto Magno no veía los experimentos como lo verían luego los fundadores de la ciencia moderna y en especial Galileo Galilei, sino que en su opinión la experimentación consistía en observar, describir y clasificar. Este gran trabajo enciclopédico sentó las bases para el trabajo de su discípulo Santo Tomás de Aquino. También trabajó en botánica y en alquimia, destacando por el descubrimiento del arsénico en 1250. En geografía y astronomía explicó, con argumentos sólidos, que la tierra es redonda.
En 1259 ó 1260, fue ordenado obispo de la sede de Ratisbona, cargo que dejaría poco después habiendo remediado algunos de los problemas que tenía la diócesis. En 1263, el Papa Urbano IV aceptaría su renuncia, permitiéndole volver de nuevo a la vida de comunidad en el convento de Wurzburgo y a enseñar en Colonia.
Murió a la edad de 87 (o 74) años, cuando se hallaba sentado conversando con sus hermanos, en Colonia. Antes había mandado construir su propia tumba, ante la que cada día rezaba el oficio de difuntos. Está enterrado en la cripta de la Iglesia de San Andrés, en Colonia.
Sus obras, recogidas en 21 volúmenes, fueron publicadas en Lyon en 1629.
Fue beatificado en 1622, pero la canonización se haría esperar todavía. En 1872 y en 1927, los obispos alemanes pidieron a la Santa Sede su canonización, pero sin éxito. El 16 de diciembre de 1931, Pío XI, proclamó a Alberto Magno Doctor de la Iglesia lo que equivalía a la canonización. Su fiesta en la Iglesia Católica se celebra el 15 de noviembre. San Alberto es el patrono de los estudiantes de ciencias naturales, ciencias químicas y de ciencias exactas.
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Y hasta aquí la Wikipedia, que me desasnó con respecto a mi Santo.
Felicitaciones a todos los Alberto (en primero o segundo nombre) y que los estudiantes de ciencias reciban Su gracias para los próximos exámenes de estos días.
Ilya Zhitomirskiy, cofundador de la red social Diaspora, una de las alternativas al dominio de Facebook entre los consumidores, murió el pasado fin de semana en San Francisco (California) a los 22 años, informó hoy el portal del canal de televisión ABC.
Nacido en la Unión Soviética, Zhitomirskiy emigró hacia los Estados Unidos con sus padres cuando niño, eventualmente estableciéndose a las afueras de Philadelphia, donde se graduó de la Lower Merion High School en 2007. Posteriormente, estudió matemáticas, economía y ciencias de la computación en la Universidad de Tulane, la Universidad de Maryland, College Park y la Universidad de Nueva York. Ahí estudió ciencias de la computación en el Courant Institute of Mathematical Sciences, donde entabló una amistad con Dan Grippi, Maxwell Salzberg y Raphael Sofaer, con quienes después fundaría la red social Diaspora, una alternativa a Facebook, en 2010.
Su muerte fue "un posible suicidio", según dijo a la cadena la oficial de policía de San Francisco Alvie Esparza.
La oficial indicó que el sábado por la noche su departamento recibió una llamada de aviso y que el cuerpo de Zhitomirskiy fue trasladado a un centro médico de San Francisco para que se le practique una autopsia que permita esclarecer lo ocurrido.
Un representante de la oficina del forense de San Francisco aclaró que los resultados no se conocerán hasta pasadas varias semanas.
Zhitomirskiy fue uno de los cuatro estudiantes de la Universidad de Nueva York que dieron origen a Diaspora en 2010, una red que catalogaron como menos centralizada y más privada que sus grandes modelos a seguir, como Facebook, Twitter o Google.
El anuncio de la nueva plataforma se hizo en abril de 2010 y recibió donaciones superiores a los 200.000 dólares en poco más de un mes a través de la web Kickstarter, incluida la de Mark Zuckerberg, el creador de Facebook, al que no le importó que los jóvenes aprovecharán la polémica en torno a la configuración de privacidad de esa red social para publicitar su propia obra.
"Creo que está bien que la gente intente hacerlo por su cuenta. Veo algo de mí en ellos", dijo Zuckerberg al portal Wired.com en mayo del año pasado.
Diaspora promulgaba la idea de compartir contenidos haciendo énfasis en el control de ese material por parte de cada usuario.
En un vídeo publicado en abril de 2010, Zhitomirskiy describía su proyecto como la alternativa a los grandes nombres de la industria.
"Ya no tendrás que aguantar los caprichos de las grandes compañías que aseguran que compartir contenido y mantener la privacidad no son compatibles", afirmaba rodeado por sus compañeros Raphael Sofaer, Dan Grippi y Max Salzber.
Miles de personas de todo el mudo, por iniciativa del empresario suizo Bernard Weber, eligieron a las siete maravillas de la naturaleza, entre las que se encontraron el río Amazonas y las cataratas de Iguazú de Latinomaerica, además de la bahía de Halong (Vietnam), Komodo (Indonesia), la isla de Jeju (Corea del Sur), la montaña Mesa (Sudáfrica) y el río subterráneo de Puerto Princesa (Filipinas).
Según lo informó el portal new7wonders.com, la votación se hizo por internet, teléfono y mensajes de texto y se eligieron entre 28 candidaturas escogidas por un panel de expertos después de analizar 450 bellezas naturales de todo el planeta.
De las 28 finalistas, siete candidaturas procedían de América, cinco de Europa, dos de África, tres de Oceanía y once de Asia.
Por su parte, Bernard Weber, fundador de New Open World Corporation, agradeció el apoyo a la iniciativa e indicó que las personas que votaron “se preocupan por algo que es muy importante para todos nosotros: nuestra casa, la Madre Tierra”.
Las cataratas del Iguazú, ubicadas en tercer lugar en el resultado, se localizan en la provincia de Misiones, en el Parque Nacional Iguazú, Argentina, y en el Parque Nacional do Iguaçu del estado de Paraná, Brasil; asimismo, están próximas a la frontera entre Paraguay y Argentina, a solo 13,8 km en línea recta. El 11 de noviembre de 2011 fueron elegidas provisionalmente como una de las «Siete maravillas naturales del mundo».
Estas cataratas están formadas por 275 saltos de hasta 80 m de altura, alimentados por el caudal del río Iguazú. Se pueden realizar paseos en lancha, bajo los saltos, y caminatas por senderos, apreciando algunos animales de la selva semitropical. Un espectáculo aparte es su salto de mayor caudal con 80 m, también el más alto: la garganta del Diablo, el cual se puede disfrutar en toda su majestuosidad desde solo 50 m, recorriendo las pasarelas que parten desde Puerto Canoas, al que se llega utilizando el servicio de trenes ecológicos. Por este salto pasa la frontera entre Argentina y Brasil.
En el año 1542, mientras realizaba una travesía desde el océano Atlántico hasta Asunción del Paraguay, Alvar Núñez Cabeza de Vaca divisó las sorprendentes cataratas del río Iguazú y las bautizó como «saltos de Santa María», nombre que con el tiempo fue reemplazado por su primitiva denominación guaraní Iguazú (antigua ortografía de yguasu 'gran cantidad de agua', de y 'agua' y guazú 'grande').
Por entonces la región era habitada por indígenas de la etnia mbyá-guaraní, quienes alrededor de 1609 comenzaron a vivir el proceso evangelizador protagonizado por los sacerdotes jesuitas de la Compañía de Jesús, quienes desarrollaron en la región una experiencia única en Latinoamérica: la conformación de un sistema reduccional que llegó a contar con 30 pueblos distribuidos en las regiones del Tapé y el Guayrá (actualmente sur de Brasil y Paraguay, toda la provincia argentina de Misiones y parte del norte de Corrientes).
Las cataratas de Iguazú se hallan dispuestas en una forma que parece una gran J inversa. En la margen derecha se encuentra el territorio brasileño, el cual posee poco más de un 20% de los saltos de dichas cataratas; y del lado izquierdo se hallan los saltos argentinos, los cuales conforman casi un 80%. Para conocer completamente y apreciar del todo estas cataratas, la recomendación es visitar tanto el lado argentino como el brasileño, porque de un lado se aprecia panorámicamente el otro, y viceversa. Los que conocen han dicho que “desde Brasil se ven las cataratas, y desde Argentina se viven”. Sin embargo, uno se mueve entre los saltos del lado argentino, no sólo en las pasarelas que permiten casi tocar el agua, sino también en los paseos en lancha, que permiten ir hasta al lado de las impactantes caídas de agua, e incluso, se puede adentrar hasta la mismísima Garganta del Diablo, si se parte en lancha desde territorio argentino.
Es una de esas películas que hicieron historia. No lo conocía al gran Stanley antes de presenciar esta joyita cinematográfica. Pienso que probablemente es la película de guerra más importante que he visto, y por varias razones que voy a pasar a explicar. Se basa en un hecho real ocurrido en la gran guerra, la primera; en ella, unos militares franceses muy capangas, más que capangas, el uno y el dos de las fuerzas militares, ante la necesidad de hacer algo como para evitar los malos comentarios por la marcha de la contienda contra los alemanes, no tienen mejor idea que mandar al frente, y a una muerte segura, a una de sus compañías.
Al mando de esa unidad está un coronel que es el militar que todos quisiéramos tener entre las filas de nuestros ejércitos, es valiente, es arrojado, es duro, pero al mismo tiempo humano y sensible con sus hombres. Kirk Douglas, en uno de sus mejores papeles, tuvo muchos mejores papeles Kirk, es el último de los mohicanos de la vieja guardia hollywoodense, como les decía, en uno de sus mejores papeles, está espléndido interpretando al mencionado jefe. La patrulla del caso que no es infernal, el título en Argentina fue pésimo y solamente establecido por atracción comercial, queda diezmada y sus hombres terminan como la carne picada para empanadas... Además, los que vuelven son tildados de cobardes. Claro, los capangas no pueden hacer otra cosa que buscar falsos culpables ante tanta ineficiencia, incapacidad, y cinismo... Them, ahí aparece la resolución del caso. Que no cuento, no digo, no comento, porque quiero que aquellos que no hayan visto estos senderos de gloria, entren en ellos, porque son también senderos de gloria del cine.
Las escenas de guerra, que hasta ese momento eran súper convencionales -y parecía que los soldaditos de USA se iban de picnic-, aquí tienen un realismo impresionante. Es la primera vez que vemos algo tan dramático. Yo creo que como antecedente podría citar, como algo también similar, pero no tanto, lo exhibido en pelis como "Sin novedad en el frente" y "Tiempo de vivir, tiempo de morir"... Luego vendría el amigo Spielberg con esa media hora inicial de "El soldado Ryan", que había que bancársela, pero que posteriormente se echaría mucho a perder con una historia bastante poco creíble, y llena de un patrioterismo pueril.
En cambio, ésta sí me parece importante en ese aspecto. Y en otros. Pocas veces me conmoví tanto con un desenlace como el que ocurre aquí, con esa mujer alemana, triste, indefensa, puteada, carajeada que se pone a cantar, en un cafetín de mala muerte poblado de soldados enemigos; ahí, se larga tímidamente con una canción tan desolada como ella, y tremendamente nostálgica, que hace que todos, tanto los franceses como la misma alemana se unan en esa melodía...
Tristes, solos, indefensos y repodridos de la guerra.
¡Cuántas situaciones! Me cuesta no identificar esto con lo de Malvinas... ¿Cómo tengo que hacer para no derramar una lágrima, pensando en nuestros chicos, en nuestros pobres chicos allá en Puerto Argentino, o Stanley, como dicen ellos... muertos de hambre, de frío, luchando contra una de las potencias más grandes del mundo? Pregunto y vuelvo a preguntar ¿cómo puedo hacer para no identificar esto con aquello?
Tristeza, mucha tristeza en la evocación... Y aquellos mariscales de la derrota, como estos mariscales de la derrota, los mismos perros con diferente collar, como diría alguien muy cercano en mi vida y en mi historia.
Los mismos perros con diferente collar...y muchos inocentes muertos.
Determinados compatriotas, o colegas de rutas, o compinches ocasionales, o amigos incompatibles ideológicamente, dicen, dirán, dirían, como el tango:
Olvide amigo...
Y convocan a la amnesia, al hipnotismo, al sonambulismo, a la impiedad, al letargo pensante, a la irrealidad, a la sumisión, al ostracismo, al aturdimiento.
Sí, así es...Se quieren olvidar muchas cosas...
¿Se puede?
¿Se puede olvidar?
Olvide amigo dirán algunos, pero olvidarlo nunca podré...
Después de que una joven de Texas publicara la semana pasada en YouTube un video en que su padre, un juez de familia, le propinaba una brutal paliza con un cinturón, Estados Unidos se pregunta hasta dónde pueden llevar los padres el castigo corporal. Hace un mes comenzó el juicio contra un matrimonio de Washington por maltratar hasta la muerte a su hija adoptada. Emplearon para ello un manual de castigo muy popular entre los padres que educan a hijos en casa, sin llevarlos a la escuela, una práctica común entre los 80 millones de cristianos evangélicos del país. Los consejos de ese manual, llevados al extremo, han provocado al menos tres muertes en los años recientes.
Hay en Estados Unidos más de dos millones de niños que no acuden a la escuela y a los que educan sus propios padres, eminentemente por motivos religiosos; no quieren que se les enseñe la teoría de la evolución, por ejemplo. Para ellos el pastor evangélico de Tennessee Michael Pearl, que tiene cinco hijos, ha escrito el polémico libro Cómo educar a tu hijo, impreso por primera vez en 1994, del que se han imprimido 670.000 copias y que se ha traducido a numerosos idiomas, entre ellos el español.
El libro no se anda con rodeos. El primer capítulo comienza así: "Pégale a tu hijo". Los consejos son, sencillamente, crueles. "Una experiencia particularmente dolorosa para la madre lactante es el bebe que muerde. Mi esposa no perdió tiempo para encontrar un remedio. Cuando el bebe la mordía, ella le tiraba del cabello (hay que buscar una alternativa para los bebes sin pelo)", escribe.
La tesis central del libro es que la Biblia aconseja el uso de la fusta, a la que llama "varita mágica": "Puede ser que experimentes sentimientos que te impidan pegarle a tu hijo, pero eso no es amor. Dios, que creó a los niños, y sabe lo que más les conviene, ordena a los padres que usen la fusta".
Pearl recomienda, por ejemplo, dejar armas de fuego por casa, cargadas, para poner a prueba a los niños, y pegarles con la vara cuando se acerquen a ellas. Sus consejos son muy específicos: "Para el menor de un año, basta una vara de sauce, de 25-30 centímetros de largo y medio centímetro de diámetro, sin nudos que le puedan cortar la piel". Aconseja enfáticamente pegarles a los niños con una tubería flexible de plástico, de 0,6 centímetros de diámetro, porque duele, pero no daña gravemente la piel.
Fue esa tubería la que acabó, entre muchas otras penurias, con la vida de la pequeña Hana, nacida en Etiopía pero adoptada, junto a su hermano menor, por el matrimonio formado por Larry y Carri Williams, del Estado de Washington. Hana, de 11 años, que se comportaba con cierta rebeldía, apareció muerta en el patio familiar en mayo, desnuda, desnutrida y congelada. Sus padres, fieles seguidores de la doctrina Pearl, la habían sometido a un castigo corporal implacable.
El pasado 30 de septiembre, comenzó el juicio por homicidio contra ellos, y se declararon inocentes. El siniestro tubo de castigo se empleó también en 2010 en California, en la muerte de la pequeña Lydia Schatz, de siete años, adoptada de Liberia. Sus padres adoptivos, Kevin y Elizabeth Schatz, la sometieron a una brutal paliza, con parones para rezar. La niña, que tenía ocho hermanastros, murió por las heridas y hemorragias provocadas. Los padres se declararon culpables y están ambos en prisión.
Los felinos más increíbles y sus asombrosos dueños llegan a Animal Planet en la nueva serie AMOR DE GATOS
- El programa permite descubrir, en cada episodio, personas, lugares y fantásticas historias relacionadas con el mundo de curiosos y adorables felinos.
- Estreno a partir del sábado 12 de noviembre, a las 20 hs.
No todos los gatos, ni sus dueños son iguales y sin duda hay algunos tan peculiares que merecen su propio show de televisión. Hay gatos súper talentosos que han formado una banda musical y otros muy rebeldes que se escapan cada noche para robar a sus vecinos. Gatos estrellas de moda y gatos rescatistas. Hay de todo y para todos en la nueva serie de Animal Planet AMOR DE GATOS que estrena el sábado 12 de noviembre a las 20:00 horas.
Para encontrar a estos singulares felinos y conocer a sus extraordinarios dueños, el compositor y cantante John Fulton nos lleva a un viaje increíble en el que visitará decenas de ciudades y a cientos de familias hasta conseguir a los gatos más alocados, asombrosos, curiosos, estrafalarios y adorables. Por supuesto, no nos olvidamos de sus dueños, quienes llegan a extremos impensados por amor a estas mascotas.
AMOR DE GATOS es un viaje único y divertido que nos permite descubrir a personas, lugares e historias fantásticas relacionadas con el mundo gatuno. Hay todo un universo relacionado con los gatos que está esperando ser descubierto y AMOR DE GATOS mostrará cada pequeño trocito de él.
Durante su recorrido, John Fulton compondrá y cantará sobre lo que ve: desde un rancho “gatuno” que es hogar para 500 felinos, hasta una ciudad famosa por sus adorados gatos gordos, pasando por sembradíos de una hierba misteriosa que vuelve locos a los gatos y una cafetería cuya bebida especial es un café hecho de granos ¡extraídos de la caca de gato!
Con tantas ciudades, personas y gatos que visitar, John encuentra extenso material para escribir sus melodías y demostrar que el mundo es realmente una “locura de gatos “.
La serie AMOR DE GATOS fue producida para Animal Planet por Powderhouse Productions. Joel Olicker, Tug Yourgrau y Carter Seanbaker fueron los productores ejecutivos por parte de Powderhouse. John Tomlin fue el co-productor ejecutivo de Powerderhouse y Erin Wanner es el productor ejecutivo de Animal Planet.
Animal Planet es la única marca global que ofrece contenido envolvente, informativo y de alta calidad dedicado totalmente al mundo animal. El canal explora la relación única que existe entre los animales y los seres humanos, proporcionando entretenimiento e información, a través de plataformas múltiples. Lanzado en los Estados Unidos en 1996 y en América Latina en octubre de 1997, Animal Planet está disponible en más de 180 países.
